detalles

Como bailarín, pasas horas mirándote en el espejo perfeccionando tus líneas, e intentas una y otra vez ajustar una rotación más en tu pirueta. Pero detente un momento y piensa en lo que admiras en otros artistas. Claro, tus favoritos probablemente tengan buenas instalaciones y puedan realizar grandes trucos. Pero hay algo más que los hace brillar en el escenario.

Esto se debe a que el baile tiene que ver con los detalles, la forma en que se conectan los movimientos, cómo se sostienen las manos y la forma en que se camina en el escenario, por ejemplo. “Se trata de cómo utilizas los escalones”, dice Linda Kent, que enseña danza moderna en The Juilliard School. “Porque adivina qué: es una obra de arte. ¿Por qué estás bailando? ¿Para ser solamente una buena maquina? Uno esperaría que no fuera el caso”. Estos detalles pueden resaltar tu danza de una forma nueva y tener el poder de hacer o sobrepasar tu desempeño.

Estos detalles pueden resaltar tu danza de una forma nueva y tener el poder de hacer o sobrepasar tu desempeño. Clic para tuitear

1. Transiciones

La danza individual ocurre dentro de las conexiones de un movimiento a otro, pero los bailarines a menudo se olvidan de prestar la atención adecuada a estos momentos de transición. “No quiero ver un paso”, dice Kent. “Quiero ver el impulso”.

“Muy a menudo nos centramos en cómo se ve la imagen final”, dice Kristin Sudeikis, que enseña jazz contemporáneo en el Broadway Dance Center. “Pero la razón por la que estamos interesados es por todo lo que lleva a eso”. Desarrolla este sentido de anticipación jugando con tu tiempo y musicalidad.

Sudeikis dice que los bailarines tienen problemas particulares para pasar de izquierda a derecha. “A veces pienso en la marea del océano: bajas y caes antes de cambiar para ir en otra dirección”. Pensar en cosas como la colocación del brazo y el número de participantes puede ayudarte a mantener el control. Recuerda que el público puede verte, incluso siendo un mínimo detalle.

2. Manos

manos

Las manos pueden ser la parte más expresiva del cuerpo, así que presta atención a cómo se ve cada parte de tus extremidades, incluidas las muñecas, los nudillos y las yemas de los dedos, dice Sudeikis. Sin embargo, la solución de un mal hábito no siempre comienza con las manos. “Necesitas estar al tanto de ellas desde la columna vertebral, el omóplato, el bíceps, el tríceps y el codo”, dice.

Puede ser difícil encontrar un término entre medio feliz, entre energizado y relajado, y ajustar tu enfoque para diferentes piezas. “Piensa en tus manos para cada interpretación: si estuvieras haciendo Giselle, querrías que fueran más suaves. Si estuvieras practicando el Lago de los Cisnes, debes sentir esas alas hasta el final de tus dedos “, dice Tina LeBlanc de la Escuela de Ballet de San Francisco.

3. Concentración

Concentración

En el escenario, tus ojos se pueden comunicar tanto como todo tu cuerpo. “Se pueden dejar caer un cuarto de pulgada y poder decir algo totalmente diferente”, dice Kent. “Necesitas que tu esternón se levante y tu mirada se nivele un poco para que podamos verte”.

Pero la concentración no es solo esencial cuando se mira a la audiencia, dice Sudeikis. Piensa en cómo te relacionas con los bailarines que te rodean. “No mires más allá de la persona a tu derecha, incluso si no estás haciendo contacto visual con ellos”, dice. “Mira tu hombro o elije otro punto específico para que realmente veas algo”.

Como la mayoría de los detalles, esto es algo que se puede practicar en el estudio. Conoce en dónde debes concentrarte en todo momento y piensa qué tipo de energía deberías expresar, ya sea suave, intensa o en algún punto intermedio.

4. Caminar y correr

Caminar y correr

Cuando se hace sin cuidado, desplazarse en el escenario puede ser una de las partes más molestas del baile de alguien. La forma en que camines y corras debería ser diferente para cada género y pieza. Obviamente, correr con zapatos de punta se sentirá muy diferente de hacerlo descalzo; pero también depende de lo que estás bailando.

“Se trata de la transferencia de peso”, dice Kent. “A medida que das peso en un pie, lo tomas del otro y quieres hacerlo sin interrupciones”. Sin embargo, no te olvides del resto de tu cuerpo. Usar los hombros y la espalda de manera efectiva, como inclinarse en una competencia de carreras, puede cambiar por completo tu apariencia.

También ayuda pensar en cómo se ejecutará tu personaje. “Juliet se verá diferente corriendo que Aurora”, dice LeBlanc. Lo mismo ocurre con las piezas abstractas. Si tienes que crear un personaje en tu cabeza para ayudar a aclarar cómo viajarían, házlo. Y mantente en el personaje hasta que estés fuera del escenario, agrega LeBlanc. “Una de las cosas que más me molestan es ver caer la energía de una bailarina antes de que desaparezca. Debes salir como si estuvieras corriendo por un campo de fútbol”.

5. Reverencias

Reverencias

Una pieza no termina hasta que abandonas el escenario, pero las reverencias a menudo se dejan sin ensayar y sin afinar. “Ves esta increíble pieza y luego las reverencias son un poco desordenados”, dice Sudeikis. “De inmediato lleva lo sofisticado del trabajo a un lugar diferente, y te estás haciendo a ti mismo un desafortunado favor”.

Cómo harás una reverencia dependerá de lo que estés haciendo. Por supuesto, si te estás inclinando durante un ballet después de una variación, debes permanecer en el personaje. Pero otros estilos pueden requerir algo un poco más “humano”. Piensa en ser tú mismo y expresar una genuina gracia por los aplausos que recibes. Ensaya bien tus reverencias. ¿Están tus pies juntos o separados a la altura de las caderas? ¿Estás fallando a través de tu espina dorsal o estas permaneciendo demasiado rígido? Define tu final, para que puedas dejarlo todo en el escenario.

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